Qu’est-ce qui est préférable ? Du classique jouant des standards du rock, comme a pu le faire, par exemple, Cathy Berberian, ou au contraire du rock interprétant des airs classiques ? On serait tenté de préférer plutôt la première option tant le risque dans la deuxième pourrait être de tendre vers une certaine prétention ou une ironie un peu facile.

Eh bien, grâce à Takeshi “Terry” Terauchi and the Bunnies, apprêtez-vous à entendre le classique comme vous ne l’avez entendu, et cela sans prétention, et sans ironie. Beethoven, Tchaikovsky, Schubert, Brahms, Bizet, tous ces grands compositeurs ont sans doute été ravi d’apprendre dans leur tombe que certaines de leurs oeuvres allaient passer à la moulinette du rock. Et attention ! pas n’importe quel rock : le surf rock ! Oui, ce rock qui a sévi à partir de la fin des années 50 en Californie, et qui a connu son apogée avec les Beach Boys.

Pari risqué, hein ? Est-ce bien raisonnable, les guitares Mosrite sur la sixième de Beethoven ? A la première écoute, de cet album, dès les premières secondes, je me suis dit : “Non, c”est impossible, je ne tiendrai pas”. Et puis, les morceaux s’enchaînant, j’ai ressenti une certaine sympathie envers la démarche. Plus précisément, une sorte de tolérance amusée devant ces interprétations drôlatiques et, à leur manière, virtuoses. Car, sachez-le, le leader du groupe, Takeshi Terauchi, n’est pas non plus n’importe qui. Il fut ce que l’on peut considérer comme le premier “Guitar Hero” du Japon (inévitablement, certains ne vont pouvoir s’empêcher de sourire à ces mots). Il commença sa carrière en jouant de la guitare rythmique dans un groupe country, “Jimmy Tokita and The Mountain Playboys”. Puis il forma en 1962 son propre groupe, “The Blue Jeans”. Il le quitta en 1966 pour former “The Bunnies”, groupe qu’il quitta en 1967 pour reformer “The Blue Jeans”, groupe avec lequel il joue encore aujourd’hui (tout le monde a suivi ?).  Mais trêve d’histoire. Allez découvrir la virtuosité du bonhomme sur les videos ci-dessous et voyez combien on peut lui appliquer ce mot cher aux Beach Boys : fun.

J’allais oublier le tracklisting de Let’s Go Classics :

01. Theme from Symphony No. 5 (Beethoven)
02. Theme from Swan Lake (Tchaikovsky)
03. In a Persian Market (Ketelbey)
04. Flight of the Bumblebee (Rimsky-Korsakov)
05. Sabre Dance (Khachaturian)
06. Theme from Unfinished Symphony (Schubert)
07. Hungarian Dance No. 5 (Brahms)
08. Toreador Song from Carmen (Bizet)
09. Danube Wave Waltz (Ivanovici)
10. One Fine Day from Madame Butterfly (Puccini)
11. For Elise (Beethoven)

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Voici juste un clip vidéo sur lequel je suis tombé hier par hasard. Ca s’appelle Circle et la chanteuse se nomme Kimura Kaela. Je ne connaissais absolument pas mais ce mélange de pop et de sonorités électroniques m’a paru plutôt réussi et le clip, très original, m’ont donné envie de faire partager cette petite découverte.

     Que Shintaro Katsu soit une figure légendaire du cinéma japonais est une évidence. Un peu une sorte d’équivalent nippon de John Wayne. En plus tumultueux. Car en dehors de ses innombrables prestations pour le petit ou le grand écran (notamment dans la série fleuve des Zatoichi, soit 26 films), prestations qui lui valent ce statut de légende, il faut savoir que Katsu n’avait rien d’un ange. Gros buveur, un tantinet alcoolique, mais aussi adepte de drogues en tous genres : marijuana, opium ou cocaine. Cela lui a valu une charmante collection d’arrestation, en 1978, 1990 puis en 1992. Ces péripéties causèrent, en s’en doute, quelques troubles dans sa carrière. Mais ce n’est pas tout : Katsu avait aussi la réputation d’être un fauteur de trouble lors des tournages. L’anecdote la plus emblèmatique est sans doute celle qui concerne le tournage de Kagemusha de Kurosawa, film dans lequel Katsu devait jouer le rôle principal. Il mit le maestro en colère lorsqu’il entreprit de filmer les coulisses du tournage. Il fut prestement remplacé par Nakadai. Selon d’autres sources, le clash entre les deux artistes venait surtout d’une incompatibilité entre deux fortes personnalités. Plus sordide, Katsu fut vivement attaqué lors du décès de l’acteur Yukio Kato durant le tournage du dernier épisode de Zatoichi. L’acteur fut mortellement blessé par un sabre qui n’avait rien d’une réplique inoffensive.

     Voilà pour le bonhomme. Pour son apport au cinéma, son nom est avant tout synonyme de Zatoichi. Mais n’oublions pas non plus l’excellent Hanzo le Rasoir, flic samouraï qui a la particularité d’utiliser son sabre intime pour faire parler les femmes suspectes récalcitrantes lorsqu’il s’agit de passer aux aveux. Bon, ce n’est pas toujours du meilleur goût mais franchement, voir le personnage joué par Katsu supplicier (la trique du personnage est réputée pour sa longueur et sa solidité : une scène nous montre Hanzo se donner au petit matin des coups de lanières de cuir pour la fortifier) sa victime avec en fond sonore une sorte de musique disco est assez drôle, surtout lorsque la “victime” menace de ne rien dire s’il s’arrête. Inénarrable. Passons.

     Moins connu, en dehors de ses talents d’acteurs, Shintaro Katsu fut un excellent joueur de shamisen et cultiva aussi un talent de chanteur. C’est du reste souvent le cas dans le milieu cinématographique asiatique. Une star du grand écran y pousse très souvent la chansonnette. Et l’inverse est aussi vrai : combien de chanteurs ou de chanteuses ont poursuivi avec une carrière au cinéma. Pour en revenir à Katsu, il faut tout de suite vous prévenir qu’il a eu le bon goût de ne pas faire dans le Enka, ce genre musical très prisé mais aussi très … monolithique disons. Ce sont des romances chantées par des messieurs et des madames très bien habillés, souvent en costumes traditionnels et faisant assurément les délices des personnes agês dans les maisons de retraite. Je caricature, mais vous aurez compris que le Enka est un genre assez… ringard. Donc non, Katsu ne fait pas dans ce truc. Son crédo ? les interprétations croonerisantes, en japonais ou en anglais, s’il vous plaît ! Doté d’un accent et d’une prononciation plus que corrects, il parvient à être assez convaincant lorsqu’il reprend de vieux standards tel que “Sunny”, “Unchain my Heart” ou, tenez-vous bien, “Yesterday”. C’est sans doute un peu kitsch parfois, mais jamais ridicule. Katsu semble prendre son art de la chanson très au sérieux et parvient à être touchant dans ses efforts pour enrober sa voix de dégoulinades de chaleur. Ecouter l’album “Yoru wo utau”, c’est un peu avoir l’impression de faire un karaoke en compagnie de Katsu. Sympathique.

Terminons avec la bande annonce d’un des films avec Hanzo :

     Après la musique traditionnelle d’Okinawa revue et corrigée par Ikue Asazaki, voici celle de Shoukichi Kina (喜納昌吉). Né en 1948 à Koza (sur l’île d’Okinawa donc), Shoukichi est un musicien de rock qui, durant les années 70, a monté son propre groupe, Champloose. Leur premier album, paru en 1977, est considéré comme un classique du folk-rock japonais. En fait, Kina est un peu à la musique d’Okinawa ce qu’était Marley au reggae (j’ai lu d’ailleurs quelque part que Marley connaissait et admirait Kina).

     Très festives, les 11 chansons qui composent l’album donnent l’impression d’être plongé dans un matsuri d’été à Okinawa. Ceci grâce notamment aux voix féminines, typiques de la musique traditionnelle de l’île. Le morceau le plus célèbre est le premier, “Haisai Ojisan” (interprétée dans la deuxième des vidéos ajoutées plus bas), écrit à l’âge de 16 ans. Il devint un hit alors que son auteur était en prison, en train de purger une peine pour possession de drogue. Petite erreur de jeunesse semble-t-il tant l’ensemble, qui baigne dans une joie de vivre communicative, nous semble incompatible avec une personnalité torturée. En tout cas, un regard sur le documentaire constitué par les trois vidéos qui suivent (en japonais sans sous-titres, désolé) fait bien sentir que Kina est quelqu’un d’attachant, entièrement dévoué à la musique d’Okinawa. Et l’on imagine bien volontiers aussi qu’il devait être réjouissant de danser sur sa musique dans les salles de concert, le ventre bien rempli de la fameuse nourriture d’Okinawa et de quelques “Asahi”. Oh, rectification : aux dernières nouvelles, le bonhomme est toujours en activité. Donc, si un jour vous êtes dans les parages, n’hésitez pas à vous renseigner sur d’éventuels concert. Un coup d’oeil sur son site pour vous faire définitivement envie : http://www.champloose.co.jp/index.html

     Il y aurait beaucoup à écrire sur Pizzicato Five. Trop sûrement pour ma connaissance de ce groupe. Disons juste qu’il est l’un des groupes de pop japonais les plus connus, et quand je dis “connus”, j’entends pas uniquement au Japon. Pizzicato Five (P5 pour les intimes), durant ses prolifiques 16 années d’existence, a su en effet franchir  les frontières pour toucher le public occidental.

      Formé en 1985 par Yasuharu Konishi, le groupe, après plusieurs albums qui se sont avérés être des échecs commerciaux, a dû attendre 1990 et l’intégration de la longiligne Maki Nomiya pour réellement commencer sa carrière. Les albums et les hits se sont alors enchaînés avec une belle régularité et ont donner au groupe une place de premier ordre dans le paysage musical japonais des années 90.

     Ce concert est le dernier filmé. Il n’y en aura sans doute pas d’autres car le groupe a décidé d’arrêter sa carrière en 1991. Sans être un inconditionnel de Pizzicato5, je dois dire que ce concert, en cette période de préparation des fêtes de Noël, se savoure comme une bonne boîte de chocolats. L’atmosphère intimiste qui se dégage de la mise en scène y est pour beaucoup : pas de foule hurlante, juste quelques privilégiés. L’éclairage est sobre, feutré. Maki Nomiya, toujours séduisante et jeune malgré ses 48 ans déjà, ne gesticule pas, ne hurle pas, mais chante, et elle le fait toujours très bien. Quant à la playlist et à l’orchestration, eh bien, c’est du Pizzicato5, c’est-à-dire que c’est une pop très clim’, à la fois dynamique et aérienne. Pour ceux qui aimeraient découvrir un groupe japonais qui fasse de la pop sans être de la Jpop (vous me suivez?) “P5″ peut être un groupe intéressant, à déguster confortablement installé sur son canapé.

Happy end of the Band est disponible en DVD chez cdjapan.

Quelques extraits vidéo :

     Si vous vous demandez si les Japonais ont eu leur trip baba cool, eh bien oui, comme en atteste la pochette de ce groupe japonais des années 70, Flower Travellin Band. La pochette et le contenu puisqu’il ne s’agit rien moins que des reprises de standards américain de l’époque, et pas des moindres. Jugez plutôt : “Hey Joe” d’Hendrix, “White Room” des Cream ou encore “Summertime” de Janis Joplin, pour ne citer que les plus connus.

     Evidemment, quand on s’attaque à ce genre de monstres sacrés, on a plutôt intérêt à assurer un minimum. Flower Travellin Band y parvient assez bien, l’album se laisse écouter sans déplaisir sans égaler évidemment les glorieux modèles. Rien de bouleversant donc, juste une curiosité qui permet de donner une idée d’un aspect du paysage musical japonais de l’époque (nous sommes en 1969). A noter que la carrière du groupe a peu à peu quitté un certain psychédilisme pour des tonalités plus heavy metal.

     Concernant la pochette, elle a – époque oblige – évidemment été considérée comme scandaleuse à sa sortie. La jeune femme est la chanteuse du groupe, Remi Aso, considérée alors comme la Janis Joplin japonaise.

 Mise à jour le 29/11/08 : Petite surprise ce matin, le Flower Travellin Band a ajouté un commentaire informant qu’ils étaient toujours bien vivants : concert prévu à Toronto au mois de décembre, tournée eureopéenne puis nouvel album en 2009. J’étais bien injuste dans mon article en restant lapidaire sur la suite de leur carrière après leur album “challenge”. Haut les coeurs les gars ! Toujours sympa de voir combien l’esprit rock résiste à l’âge. Plus d’infos sur leur blog : http://flowertravellinband.blogspot.com/2008/11/flower-travellin-band-we-are-here.html. Le site comprend un lien sur une galerie photo.

     Vous l’aurez compris en regardant les différents articles de la section musique, il n’y a aucune chance pour voir dans ce blog des articles consacrés à Ayumi Hamasaki, l’Arc-en-ciel, Shiina Ringo bref à ce que l’on appelle communément la “JPOP”. Enfin, je me réserve le droit de faire quelques exceptions car il peut y avoir des trucs intéressants, mais c’est vrai que dans l’ensemble, c’est une musique qui me semble souvent navrante.

    Passons et venons-en à la chanteuse qui nous intéresse. Car elle a l’air intéressante, hein ? Plutôt hypnotique comme pochette, n’est-ce pas ? Et ce n’est rien par rappot au contenu. Sans doute certains parmi vous se disent : “ah ouais, sans doute un disque de pop érotique à la Reiko Ike”. Bien vu, c’est effectivement cela. Mais attention, attention ! Cette Petite M’amie (pseudonyme de Keiko Mari) n’a rien à voir avec Reiko Ike. Ce serait un peu comme comparer Judy Garland à Béatrice Dalle. Tenez :

     Vous avez compris ? A gauche une jeune femme jouant avec une ficelle, à droite une pin up bien en chair tenant son micro d’une façon qui laisse assurément le mâle songeur. Avec Ike, on est dans l’animalité. Et c’est la même chose pour ce qui est de la voix et des effets spéciaux orgasmiques. Ecouter une de ses chansons équivaut à entendre durant trois minutes une bonne cinquantaine de halètements, ce cris d’extase ou de couinements (ces derniers sont le plus surprenants, on a parfois l’impression d’entendre une porte sans cesse ballottée par un courant d’air, je vous assure que je ne rigole pas). On est pour ainsi dire dans une sorte de continuité sonore des films de loubardes  des années 70 dans lesquels des hordes de jeunes femmess’affrontent au couteau les mamelles à l’air. Ike a été une des principales prêtresses de cet intéressant genre de film.

     Petite m’amie exploite un tout autre style. On est plutôt devant une Melody Nelson japonaise, l’aspect glauque du personnage créé par Gainsbourg en moins. Comme l’indique une phrase du livret du cd, Petite M’amie, c’est “l’union de la tendresse féminine et de l’érotisme angélique”. Gasp ! Tout un programme. On l’aura compris, c’est LE disque pour déstresser le salary man japonais qui revient du travail. Sûr que ça ne prend pas la tête. Le premier morceau, Girl Friend, fait penser à En Melody de gainsbourg dans lequel on entend Jane Birkin glousser hystériquement durant cinq minutes. Sauf que là, avec Petite m’amie, rien d’horripilant : ses rire pleins de fraîcheur échappent à toute hystérie vulgaire, on n’a aucunement envie de lui mettre une mornifle. Le deuxième morceau, lui non plus n’épuise pas les neurones. Durant en effet les trois minutes de Baby Doll, notre espiègle ne cesse de glisser des “dame ! ya ! ya ! dame ! ” (“arrête ! arrête !”) à son copain. Le troisième, Splendor enfile comme des perles les “suki ! suki daisuki !” (“je t’aime ! je t’aime !”). Et ça continue comme cela sur trois autres morceaux. Mention spéciale pour le cinquième, Cry, qui montre quelle énorme actrice Keiko Mari aurait pu être. Jamais des pleurs n’ont fait autant plaisir ! Après l’érotisme angélique, Mari perfectionne la formule en inventant les pleurs érotiques !

     Enfin, pour le dernier morceau, Make love, je renonce tout bonnement à en parler. J’écris cet article justement en écoutant Petite M’amie, je n’ai plus d’influx pour continuer. J’ajouterai juste que la deuxième moitié de l’album est constitué de six morceaux qui relatent une histoire. Si vous aimez la pop légère comme une bulle de savon et teintée d’érotisme, Girl Friend, Baby Doll est pour vous.

Pour finir en beauté : quelques liens musicaux pour vous donner une idée :

Baby Doll

Cry

Girl Friend, Baby Doll est disponible chez l’excellent éditeur Tiliqua Records

        Dans l’ensemble, j’ai moyennement aimé Lost in Translation. Mais je ne remercierai jamais assez ce film de m’avoir fait découvrir Happy End. Ceux qui ont adoré la deuxième réalisation de Sofia Coppola ou qui ont acheté la BO connaissent ce groupe, en tout cas un de leur morceau phare, Kaze wo atsumete. On l’entend une première fois, très étouffé, provenant d’un local de karaoké. Puis on le réentend lors du générique de fin, à la suite d’un instrumental.     
     Avant ce morceau, je dois dire que je ne connaissais pas grand chose du pop/rock japonais. Et le peu que j’en avais entendu ne me faisait pas vraiment envie. Avec Happy End, j’ai eu un aperçu d’un certain type de production faite au Japon durant les années 70. Oh ! tout n’était sûrement pas comme cela. Les groupes pour adolescent(e)s pas difficiles sur le plan musical devaient prospérer. Mais beaucoup d’artistes, influencés sans doute par un certain rock/folk américain, ont contribué à construire une autre facette de la musique japonaise. Happy End et ses quatre musiciens fait partie de cette mouvance.
        Ce groupe a connu une carrière fulgurante. Créé en 1970 par Haruomi Hosono et Takashi Matsumoto,  il s’est rapidement dissout après trois année d’une carrière courte mais hautement estimé et à l’énorme influence, ne serait-ce uniquement par le fait qu’il est le premier groupe de rock japonais à se risquer avec des paroles… en japonais. C’est le cliché qui veut que le rock est avant tout une affaire de langue anglaise. C’est semble-t-il une idée reçue qui a perduré un certain moment au Japon avant qu’ Happy End ne débarque.
         Kazemachi Roman est leur deuxième album et est sans doute le plus connu. C’est un album concept qui vise à peindre une sorte d’image musicale du Tokyo d’avant les jeux olympiques de 1964 (qui ont contribué à transformer définitivement certains aspects de la ville). C’est un aspect subtil de l’album qui est évidemment difficile à saisir pour un auditeur contemporain. De plus, il est fait rérérence plusieurs fois dans l’album à un certain Bannai Tarao, un personnage de détective qui est apparu dans plusieurs thrillers au cinéma. Là aussi, ‘faut connaître. Mais la musique peut suffire largement au plaisir de l’auditeur. Si on aime en tout cas la folk de la west coast, il y a de fortes chances pour tomber sous le charme. Les deux fondateurs ont avoué vouloir faire en sorte que le groupe sonne comme Buffalo Springfield. Mais on peut aussi penser à Crosby, Stills, Nash et Young. Pas tant par les voix (les voix des deux chanteurs, tout en ayant un charme indéniable, sont loin derrière leurs modèles) mais par le son, les arrangements et un certain sens de la mélodie. Kaze wo atsumete en est un exemple mais aussi un morceau comme Shin Shin Shin que l’on peut trouver sur leur premier album. Vous trouverez plus bas un lien pour vous faire une idée.
         Quelque temps après l’avoir découvert dans Lost in Translation, je me trouvais dans un Izakaya dans le quartier de Shibuya, avec ma douce et tendre. C’était au mois de février, il caillait sec dehors, mais l’ambiance du restaurant était feutré et chaleureuse à souhait. Tout allait bien, les plats arrivaient, on s’apprêtait à manger quand soudain… Kazemachi Roman retentit dans des enceintes disséminées aux quatre coins du resto. Un des employés avait eu la bonne idée de mettre le cd dans un lecteur. Tokyo au mois de février, un Izakaya à Shibuya, de la bonne nourriture, une ambiance chaleureuse, ma jolie japonaise de femme à mes côtés et Happy end : une idée du bonheur.

Pour écouter Kaze wo atsumete :
 Kaze wo atsumete

 
Infos complémentaires :
Membres du groupe :
Eiichi Otaki (Guitare, chant)
Haruomi Hosono (basse, chant, claviers)
Shigeru Suzuki (guitare)
Takashi Matsumoto (batterie)
 
Playlist :
Face A : intitulée “Wind”
Dakishimetai
Sorairo no Crayon
Kaze wo atsumete
Kurayamizaka Musasabi Henka
Haikara Hakuchi
Haikara Beautiful

Face B : intitulée “City”
Natsu nandesu
Hanaichimonme
Ashita Tenki ni Naare
Taifuu
Haru Ranman
Aiueo

Kazemachi Roman a été classé par Rolling Stone Japan, dans le numéro de septembre 2007, N°1 (sur une liste de cent) des plus grands albums japonais de rock .

Enfin, je ne peux résister à citer les remerciements du groupe que l’on trouve dans le livret de leur premier album : James Joyce, Jean-Luc Godard, Byrds, William Faulkner, Edgar Allan Poe, Debussy, David Crosby, Schönberg, Stephen Stills, Graham Nash, Neil Young, Philipe Sollers, George Bataille, Bob Dylan, Bela Bartok, Frank Zappa, Laura Nyro, Julien Gracq, Boulez, Mandiargues, André Breton, Jefferson Airplane, Alain Robbe-Grillet, Maurice Blanchot, D.A.F. de Sade, Claude Simon, Steve Miller Band, Eric Clapton, Antonin Artaud, etc. etc. Je renonce à tout recopier. Devant un tel étalage, on a d’abord un sourire indulgent. Et puis, on se dit que, finalement, un groupe de rock qui a de telles valeurs ne peut pas être complétement mauvais. Des p’tits gars bien que j’vous dis, les musiciens de Happy End !

      J’ai découvert cette dame… grâce à un épisode de Samurai Champloo, dessin animé japonais déjanté se passant durant l’ère Meiji. La séquence dure cinq minutes et est une merveille de poésie. Pas de dialogue, rien qu’une succession d’images accompagnées de la voix d’Ikue Asazaki. Tout de suite j’ai été intrigué, puis charmé par cette voix. Dès les premières paroles, on comprend que l’on a affaire à une dame d’un âge vénérable (de fait, elle est née en 1935). Tout d’abord, on hésite un peu. Est-ce vraiment une belle voix ? C’est que ça semble tirailler un peu parfois, elle semble incapable d’aller dans les aigus ou les graves sans faire un peu de casse, comme condamnée à voguer entre deux eaux. Et puis, l’hésitation passée, on commence peu à peu à aimer cette voix qui semble vouloir nous mener vers des îles primitives. D’ailleurs, Ikue Asazaki reprend un large répertoire de chants traditionnels d’Okinawa. Pas de doute, on est dans la musique traditionnelle japonaise, mais il y a un quelque chose en plus. Cela provient sans doute des mélodies au piano qui accompagne sa voix qui confère à beaucoup de ses chansons un aspect aérien, presque new age. Il y a aussi d’autres effets : ainsi dans un morceau intitulé Tokuno Shimasetsu, une autre voix, plus jeune mais tout aussi planante, lui fait admirablement contrepoint et fait nager l’auditeur dans quatre minutes et onze secondes de pur bonheur.

      La discographie est assez importante. Je me contenterai de citer le seul album que je connaisse, Utabautayun, dans lequel se trouve la chanson (la première de l’album) qui m’a fait découvrir cette sublime artiste, aux antipodes de cette jeunesse surfaite que la Jpop ne se lasse pas de nous servir.

Le morceau en question peut être écouté sur ce lien :

ikue_asazaki_obokuri_eemui

J’ajoute celui avec le deuxième voix en contrepoint :

ikue_asazaki_03

Un extrait d’une performance live :  

Et enfin l’hallucinante séquence de Samurai Champloo :